Самые известные оперы мира

Составляющие оперы

Оперу принято считать не только музыкальным, но и театральным жанром. Ведь актеры должны обладать не только прекрасными вокальными данными. Участники представления должны обладать и актерским талантом, чтобы люди, посетившие его, прочувствовали удивительную атмосферу постановки.

Опера представляет собой некую смесь, главными «ингредиентами» которой являются музыка, вокал, артистизм. Существует немало вариаций, которые отличаются от классической версии.

Это жанр с многовековой историей, из чего состоит опера. Музыкальное произведение делится на три части. Первая – это увертюра, или вступительная часть, которая задает соответствующее настроение публике. Исполняет ее оркестр.

Вторая часть — основная. Делится на несколько актов. Каждый из них, как глава книги. Между этими актами отдыхают не только актеры, но и публика, поскольку объявляется антракт. Существует два вида антрактов: короткие и длинные. Короткие длятся ровно столько, чтобы работники успели произвести замену декораций для следующего акта.

В таком случае занавес ненадолго опускается, а все зрители остаются на своих местах и ждут, когда закончится перестановка. Длинные антракты предоставляют достаточно времени не только для замены декораций, но и для отдыха. Зрители могут посетить буфет или прогуляться по зданию театра.

Основная часть делится на две: первую и основную – это сольные арии. Их исполняют актеры, которые исполняют роль определенных персонажей. Такие сольные выступления позволяют полностью раскрыть характер персонажей, понять их чувства.

Вторая часть называется литературной, ее основой выступает либретто — специальный сценарий, содержащий краткое содержание постановки в стихотворной форме. Иногда эти стихи пишут сами композиторы. К примеру, именно так поступал знаменитый Вагнер. Однако сейчас композиторы предпочитают возлагать работу по написанию либретто на специально обученных людей – либреттистов.

Заключительная часть представления – это эпилог. Самое время вспомнить о литературном эпилоге. Поскольку их функции абсолютно идентичны. В этой части подводится итог произведения. Иногда в качестве эпилога выступает история о том, как сложились в будущем судьбы героев.

«Очарованный странник»

Опера в 2 актах для 3 солистов «Очарованный странник» (2006) на сюжет одноимённой повести Николая Лескова. Либретто Р. Щедрина.

Мировая премьера состоялась 19 декабря 2002 г. в Эвери Фишер-холл (Нью-Йорк). Опера была написана по заказу американского дирижёра Лорина Маазеля и посвящена ему. Российская премьера – 10 июля 2007 г. в Концертном зале Мариинского театра в Санкт-Петербурге.

О выборе сюжета оперы сам композитор сказал так: «Часто журналисты задают вопрос о русской душе, ее загадках. Если «русская душа» взаправду и существует, то никто лучше Лескова не может ответить на сей сакраментальный вопрос. Повесть «Очарованный странник» давно манила меня мощью и выпуклостью характеров, многокрасочностью и драматизмом сюжета, возможностью обращения к не затронутым еще в классической музыке пластам древней русской музыкальной культуры. И я так счастлив, что сумел реализовать свою мечту на самом, самом что ни на есть высшем уровне».

Что такое оперетта

Само слово «оперетта» с итальянского — уменьшительное от «опера». Она представляет собой музыкально-театральный жанр, соединяющий слово, музыку, сценическое действие и хореографию. Похожие черты присущи и предшественникам оперетты: ранним комическим операм, немецким зингшпилям, испанским сарсуэлам, итальянской комедии масок и даже ярмарочному театру.

Тематика оперетты в целом легче, чем у оперы. Чаще всего это комические, даже фарсовые сюжеты, местами сатирические, что называется, на злобу дня. Конечно, здесь много романтики, и как правило в конце зрителей ждет «хэппи энд». В центре внимания тенор и сопрано (хотя вместо тенора часто поет баритон), как главная любовная пара. Обычно есть и второстепенная пара, комичная, для контраста с главной. Вокруг этих двух пар, а также остальных второстепенных персонажей и будет развиваться история.

В оперетте есть хоры, под номера которых на сцене танцует кордебалет. Кроме того, часть либретто здесь не поется. Прежде чем переходить от одного музыкального номера к другому, певцам даны разговорные диалоги, которые продвигают сюжет вперёд. Иногда их сопровождают тихие мелодии, словно фон. Сольные номера — это легко запоминающиеся песни или арии. Не менее важны и любовные дуэты обеих пар, а также трио, квартеты и другие ансамблевые номера.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 — 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович — один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения — это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.

Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом — так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.

До определённого периода, а именно до постановки оперы «Леди Макбет Мценского уезда», Шостакович творил как свободный художник — «авангардист», экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.

Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.

Несмотря на то, что сам Шостакович был «домашним» композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д.Д.Шостаковича: «Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи.»

Возникновение Оперетты в Париже

Из истории французской оперы мы знаем, что в Париже в середине XIX века существовало три вида оперы: большая (шла в «Опера Гарнье», это Обер, Мейербер), лирическая (Гуно, Массне и др., шла в «Опера Лирик») и опера-комик (шла в одноименном здании). Последняя должна была удовлетворять запрос на легкие и веселые музыкальные спектакли. Но оперы становились все серьезнее и реалистичнее: в 1875 году в «Опера-комик» прошла премьера «Кармен» Бизе… Часть публики жаждала легкие спектакли для развлечения. И вот два композитора — Жак Оффенбах и Флоримон Эрве начинают создавать то, что мы теперь называем опереттой.

Композиторы Оффенбах и Эрве

Эрве (настоящее имя Луи-Огюст-Флоримон Ронже) был певцом, композитором, либреттистом, дирижером и сценографом. В 1848 году он представил на парижской сцене одноактный музыкальный спектакль «Дон Кихот и Санчо Панса» (по Сервантесу), который можно считать первой опереттой. Но самым известным творением Эрве остается «Мадемуазель Нитуш» (1883). Дело в том, что композитор работал органистом и хормейстером при психиатрической больнице, при этом тайно делая карьеру в театре. Сначала он пел, как тенор, потом работал как композитор и режиссер. Свою жизненную историю композитор и положил в основу сюжета «Мадемуазель Нитуш». Вспомните советский фильм «Небесные ласточки», и как герой Андрея Миронова разрывался между театром и пансионом. Этот фильм основан на произведении Эрве, хотя оригинальной музыки самого Эрве в нем нет, за исключением канкана.

Но главным основоположником оперетты обычно называют Жака Оффенбаха. В 1849 году Оффенбах получил разрешение на открытие театра «Буфф-Паризьен«, театральной труппы, предлагавшей программы из двух или трех сатирических одноактных этюдов. Компания была настолько успешной, что эти эскизы растягивались на целый вечер. И постановки Оффенбаха были ограничены префектурой полиции Парижа, которая определяла тип разрешенного представления так: «пантомимы с участием не более пяти исполнителей, одноактные комические музыкальные диалоги для двух-трех актеров и танцевальные номера с участием не более пяти танцоров; хоры строго запрещены«. Так и стала определяться оперетта: «небольшое незатейливое оперное произведение, в котором не было трагического последствия для развлечения публики».

Два других французских композитора, Робер Планкет и Шарль Лекок, последовали примеру Оффенбаха и написали свои оперетты «Корневильские колокола» и «Дочь мадам Анго» соответственно. Эти две оперетты стали хитами в свое время.

Афиша к оперетте «Орфей в аду»

В 1858 году состоялась премьера знаковой оперетты Оффенбаха «Орфей в аду» — дерзкая пародия на классическую оперу, античный миф и буржуазные традиции общества в одном флаконе. Вот он, знаменитый канкан, он же «инфернальный галоп» Оффенбаха:

Знаменитый канкан Оффенбаха

За свою жизнь композитор написал около 100 оперетт. Среди самых известных:

Женевьева Брабантская (1859)
Песенка Фортунио (1861)
Прекрасная Елена (1864)
Синяя Борода (1866)
Парижская жизнь (1866)
Великая герцогиня Герольштейнская (1867)
Перикола (1868)
Трапезундская принцесса (1869)
Разбойники (1869)

И только в 1870-ых годах популярность композитора пошла на спад, так как публика заинтересовалась более романтичными сюжетами. Но к тому времени Оффенбах успел посоветовать Иоганну Штраусу попробовать сочинить оперетту…

Продолжение следует…

Структура оперного спектакля

Сцена из оперы Дж.Верди «Риголетто»

Оперный спектакль – соединение драматической игры актеров с их исполнительским вокальным мастерством, синтез музыки и действий, подчиненных определенной структуре.

Самыми крупными частями оперы являются акты, разделенные между собой антрактом (перерывом). Чаще всего встречаются 2-3-4- актные оперы, реже одноактные (например, «Иоланта» Чайковского – одноактная опера, «Волшебная флейта» Моцарта — опера из двух актов).

Акт состоит из нескольких картин — частей акта, имеющих смысловую и художественную целостность. Картины в акте отделяются друг от друга паузами. Иногда для смены декораций между картинами опускается занавес.
Акт делится на сцены, то есть эпизоды. Сцена может представлять собой арию героя — сольную партию, ансамбль, хор или речитатив, то есть выражаться в определенной форме оперного пения.

Что такое опера?

Этот термин обладает итальянским происхождением. Он используется для обозначения вида сценического представления драматического характера. В таком произведении главным носителем действия считается музыка. При этом участники не разговаривают, а раскрывают суть произведения при помощи вокальных партий.

Данное понятие впервые появилось в 1639 году – существенно позже, чем были созданы подобные произведения. При этом опера получила широкое распространение в период с конца восемнадцатого по начало девятнадцатого века.

Характерной чертой оперы считается драматический характер. В основе ее сюжета обычно лежит исторически значимое событие. При этом герои отличаются сложным и выразительным характером.

Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833—1887)

Александр Порьфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачём, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.

Родился в Санкт-Петербурге, с детства все окружающие отмечали его необычную активность, увлекаемость и способности в различных направлениях, в первую очередь в музыке и химии. А.П.Бородин является русским композитором-самородком, у него не было профессиональных учителей-музыкантов, все его достижения в музыке благодаря самостоятельной работе над овладением техникой композирования. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки (как впрочем на всех русских композиторов 19-го века), а импульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события — во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов, известного как «Могучая кучка». В конце 1870-х и в 1880-х А.П.Бородин много путешествует и гастролирует в Европе и Америке, встречается с передовыми композиторами своего времени, его известность растет, он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца 19-го века.

Центральное место в творчестве А.П.Бородина занимает опера «Князь Игорь» (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков). В «Князе Игоре», на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора — мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины. Несмотря на то, что А.П.Бородин оставил относительно небольшое количество произведений, его творчество очень разноплановое и он считается одним из отцов русской симфонической музыки, оказавшим влияние на многие поколения русских и зарубежных композиторов.

Цитата о А.П.Бородине: «Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его — великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой». В.В.Стасов

Интересный факт: именем Бородина названа химическая реакция серебряных солей карбоновых кислот с галогенами, дающая в результате галогенозамещенные углеводороды, которую он первым исследовал в 1861 году.

Музыка[править]

Петербургская императорская труппа заключила с авторами договор на создание либретто по драме Херца в переделке В. Зотова, и 10 июля 1891 года работа началась, а к 4 сентября того же 1891 года вся музыка была написана, еще через три с половиной месяца, в декабре 1891 года полностью закончена оркестровка.

Опера «Иоланта» (соч. 69) стала последней оперой П. И. Чайковского.

«Иоланта» — лирическая опера. Она вся полна поэтической одухотворенностью и чистотой и проникновенностью чувств. За слепотой героини сюжета стоит и определенная философичность — особо проводится философский контраст между тьмой и светом: музыка показывает контраст между двумя силами, олицетворяя под слепотой и болезнью все беды и все зло, а под прозрением — добро и победу светлого начала. Этому способствуют введения контраста звучаний разных инструментов: деревянные и духовые как бы усиливают тревогу, но их внезапно прерывают безмятежные песенные мелодии скрипок и арфы — олицетворения света. В этой опере многие исследователи и музыкальные историки находят отголоски увлечения композитором в этот период философией Спинозы, чтения его трудов, переписки. Книги эти сохранились в библиотеке Чайковского, в них можно увидеть многочисленные пометки композитора. Согласно Спинозе («Этика», часть 1 «О Боге»), Бог и природа — это единая, вечная и бесконечная субстанция, в которой материальное и идеальное пребывают в нерасторжимом единстве. Прозрение Иоланты — это прозрения и физическое, и духовное одновременно. И в этом заключается еще одна сторона произведения — религиозная, в первую очередь, христианская.

Чайковский в этой короткой опере показал буквально бурю человеческих чувств, и у каждого персонажа она проявляется по-своему: отчаяние, горе и радость, счастье.

Открывалось музыкальное действие интродукцией исключительно духовых инструментов. Это было неожиданным решением для академического произведения, и по этому поводу Н. А. Римский-Корсаков вспоминал в «Летописи моей музыкальной жизни»: оркестровка «на этот раз сделана Чайковским как-то шиворот-навыворот: музыка, пригодная для струнных, поручена духовым, и наоборот, отчего она звучит иной раз даже фантастично в совершенно неподходящих для этого местах (например, вступление, написанное почему-то для одних духовых)».

Подлинным философским выражением идеи оперы стал финальный хор, прославляющий мироздание, свет разума, нравственности и чистоты.

Современный музыковед Соломон Волков назвал оперу «Иоланта» прорывом композитора в «область мистики и область, в которой он является вполне сформировавшимся композитором-символистом»: «…в случае с „Дочерью короля Рене“ эта пьеса сразу Чайковскому полюбилась, он тут же почувствовал свой витамин, что называется. Это абсолютно мистическая история, ее можно, конечно, трактовать как сказку о том, как чудом прозревает слепая королевская дочь. Но я в ней читаю аллегорию прозрения человека перед лицом смерти. Для меня это — размышления Чайковского о собственной мортальности, о том, что происходит с человеком, когда он понимает, что он смертен, и как он учится и понимает, находит какой-то язык, который объясняет ему самому и другим саму идею мортальности».

3- Травиата

Эта трехактная пьеса также была написана итальянцем Джузеппе Верди и имеет либретто Франческо Марии Пьяве по пьесе Алехандро Дюма (сын) «Дама с камелиями».

Его премьера состоялась 6 марта 1853 года и обернулась провалом, не вызвавшим сюрпризов для композитора, потому что с самого начала он сомневался в актерском составе, выбранном дирекцией Театро де ла Фениче в Венеции.

Через год после неудачи он вернулся в город, но на этот раз в театр Сан-Бенедетто, и с этого момента он стал символической и очень успешной работой, получившей признание в жанре на все времена. Из любопытства пьеса вначале называлась «Виолетта» по имени главного героя.

Построенный около 1700 года, он основан на жизни парижской куртизанки Альфонсин Плесси. Его герои: Виолета Валери, сопрано, Альфредо Жермон (любовник), тенор, Джоджи Жермон (отец Альфредо), баритон Флора Вервуа (друг), меццо-сопрано Анина (девушка), сопрано доктор Гренвиль, бас-барон Дофастон, баритон (виконт Леториер), тенор маркиз де Орбиньи (любовник Флоры) и др.

«Тоска»

Про другие оперы:

Опера «Тоска» — самая драматичная у Пуччини. Пьеса Виктора Сарду, которую он увидел в Миланском театре в 1889 году, в заглавной роли с Сарой Бернар, взволновала и вдохновила его на создание этого замечательного произведения. Напряжённая атмосфера реакционной обстановки в Италии, острые противоречия и конфликты были созвучны настроениям автора, и он постарался выразить это в своём гениальном творении. Каварадосси — художник, пишущий образы мадонны, его возлюбленная Тоска, злой и коварный шеф полиции Скарпья — герои трагедии. Марии Каллас, спевшей знаменитую арию Vissi d’Arte удалось создать яркий выразительный образ Тоски.

Ария Каварадосси (Франко Корелли) из оперы Тоска

Ссылки

Основные источники

Апель Вилли, изд. (1969). Гарвардский музыкальный словарь (2-е изд.). Кембридж, Массачусетс: Belknap Press of Harvard University Press. ISBN 0-674-37501-7.
Словарь Opera New Grove, отредактированный Стэнли Сэди (1992), 5448 страниц, является лучшим и, безусловно, самым большим общим справочником на английском языке. ISBN 0-333-73432-7, 1-56159-228-5
Руководство Viking Opera, отредактированное Амандой Холден (1994), 1328 страниц, ISBN 0-670-81292-7
Оксфордская иллюстрированная история оперы, изд. Роджер Паркер (1994)
Оксфордский словарь оперы, Джон Уоррак и Юэн Уэст (1992), 782 страницы, ISBN 0 -19-869164-5
Опера, грубое руководство, Мэтью Бойден и др. (1997), 672 страницы, ISBN 1-85828-138-5
Опера: Краткая история, Лесли Орри и Родни Милнс, Мир of Art, Thames Hudson

Другие источники

ДиГаетани, Джон Луи : Приглашение в оперу, Anchor Books, 1986/91. ISBN 0-385-26339-2.
Силке Леопольд, «Идея национальной оперы, ок. 1800», «Объединение и разнообразие в европейской культуре» ок. 1800, изд. Тим Бланнинг и Хаген Шульце (Нью-Йорк: Oxford University Press, 2006), 19–34.
МакМюррей, Джессика М. и Эллисон Брюстер Францетти: Книга из 101 оперного либретто: полные тексты на языке оригинала с английским переводом, Black Dog Leventhal Publishers, 1996. ISBN 978-1-884822-79-7
Саймон, Генри У.: Сокровищница Гранд Опера, Саймон и Шустер, Нью-Йорк, 1946.

Русская критика о «Цыганах» Пушкина

Русская критика и публика восторженно приняла новое произведение Пушкина. Всех пленили описания цыганского быта, заинтересовал и драматизм поэмы. В своём анализе критика отметила самобытность Пушкина в отношении к герою; отметила, что русский поэт зависит от Байрона лишь в «манере письма». Критик «Московского Вестника» указал, что с «Цыган» начинается новый, третий период творчества Пушкина, «русско-пушкинский» (первый период он назвал «итальяно-французским», второй «байроническим»). Совершенно справедливо отметил критик: 1) наклонность Пушкина к драматическому творчеству, 2) «соответственность со своим временем», т. е. способность изображать «типичные черты современности» и 3) стремление к «народности», «национальности».

2- Риголетто

Его авторство принадлежит Джузепе Верди, и это интенсивное драматическое произведение страсти, обмана, сыновней любви и мести, премьера которого состоялась 11 марта 1815 года в театре Ла Фениче в Венеции. Его либретто написано на итальянском языке Франческо Мария Пьяве.

Главный герой — Риголетто, горбатый шут из двора герцогства Мантуя, который будет вовлечен в драму, в которой изобилуют страсть, обман, месть и сыновняя любовь.

Спектакль основан на пьесе Виктора Гюго «Развлечение». Действие происходит в городе Мантуя, Италия, в 16 веке.

Он состоит из трех действий: первое действие происходит в комнате во дворце герцога, второе — в комнате, а третье — на берегу реки Минчо. Его герои: герцог Мантуанский (лирический тенор), Риголетто, шут герцога (драматический баритон), Джильда, дочь Риголетто (лирическое сопрано или легкое сопрано), Джованна, служанка Гильды (меццо-сопрано), Спарафучиле, киллер (бас). , Маддалена, сестра Спарафучиле (меццо-сопрано или контральто) среди других.

Жанровые разновидности

Виды оперы:

Опера-балет – танец в данном случае является звездой представления. Особой популярностью пользовалась во Франции, где собственно и зародилась.
Комическая – житейские сюжеты, которые являются основой, показывают привычную жизнь в другом ключе.
Опера спасения – зародилась во Франции. Во время Великой французской революции многие воспевали тему героики.
Романтическая – главной особенностью романтической оперы было не только наличие любовной линии, но и примесь мистики.
Большая опера – представляет собой главное направление, для которого характерны эпичность сюжетов и красочность.
Оперетта – эстрадное направление, достаточно тесно связано с комической оперой.

Музыкальные жанры, представленные в опере

Большинство опер имеют инструментальное вступление, которое подготавливает слушателя к предстоящему действию, настраивает его восприятие. Оркестровая пьеса, исполняемая перед началом спектакля, называется увертюрой. В переводе с французского языка это слово означает «открытие, начало». В XVII-XIX веках увертюры представляли собой самостоятельные пьесы, которые тематически не были связаны с оперой

Позже композиторы стали уделять большее внимание единству настроений оперы и увертюры, в состав вступления они вводили лайтмотивы – основные музыкальные темы, встречающиеся в опере

Внутри оркестрового обрамления увлекательно чередуются вокальные номера, ведь именно пение является сущностью оперы, инструментальное сопровождение являясь декоративной окантовкой. Среди множества жанров, в которых вокал выходит на первый план, отметим арию, дуэт, трио, песню, хор:

Песня – наиболее простая форма, объединяющая поэтический текст с музыкой.
Ария – это сольный вокальный номер для одного из героев, это монолог, воплощающий противоречивые чувства одного персонажа.
Дуэт – разговор двух героев, а трио – композиция для трех исполнителей, каждый из которых отстаивает свою точку зрения.
Хор – певческий коллектив, состоящий из большого числа вокалистов. Это прообраз общества, голоса которого сливаются, рождая полное согласие и растворяя мелкие неурядицы, возникающие в жизни. Композиторы предпочитают использовать хор для достижения эффекта масштабности, торжественной красоты, величия.

Непересказываемый сюжет

«Трубадур» Джузеппе Верди (1853).

Старая байка повествует о некоем миланском трактирщике, который поклялся выдать бутылку вина тому, кто четко и кратко перескажет сюжет вердиевского «Трубадура». Дело было сразу после премьеры, но с тех пор, говорят, бутылка так и ждет своего часа.

История трогательная, но все-таки надо признать, что даже болливудскую фабулу «Трубадура» с разлученными в детстве братьями, вмешательством цыган и т.д. давным-давно превзошли все желающие.

Даже тот же Верди: это только кажется, что, скажем, его совсем уж поздний «Фальстаф» — штука более простая в сюжетном смысле.

Кто написал первую русскую оперу?

Оперу, с которой начинается отсчет русской истории жанра, написал Михаил Иванович Глинка. Композитор получил высококлассное образование за рубежом, так как консерваторий в нашей стране еще не было, откроются они только через полвека. Глинка впитал традиции чувственной итальянской и строгой немецкой оперы. Он воплотил в жизнь самое лучшее из того, что могли предложить европейские сцены: немецкую степенность, героико-лирический пафос, французскую элегантность, утонченность, итальянский упоенный мелодизм.

Опера Глинки знакома под названием «Жизнь за царя», ее первоначальное название было «Иван Сусанин». Она рассказывает о жизни обычного крестьянина, который во время русско-польской войны совершил подвиг, остановив вражеский отряд. Он не только не выдал местонахождение молодого царя Михаила Федоровича, но и завел врагов в чащу леса, за что был жестоко убит. Это легендарная история о самоотверженности, верности, мужестве – духовных качествах, которые всегда украшали человека.

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 — 1915)

Александр Николаевич Скрябин — русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры

Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.

Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности

В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке — как концертирующий пианист-композитр гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.

Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония («Божественная поэма»), симфоническая «Поэма экстаза», «Трагическая» и «Сатаническая» фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. «Поэма экстаза», состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в «Поэме экстаза» колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.

Ещё одним шедевром Скрябина является «Прометей» («Поэма огня»), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов.

Последняя незаконченая «Мистерия» была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А.Н.Скрябина: «Иду сказать им (людям) — чтобы они… ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать… Иду сказать им, что горевать — не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его.»

Цитата о А.Н.Скрябине: «Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим». Г. В. Плеханов

Михаил Иванович ГЛИНКА (1804—1857)

Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его работы, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны.

Родился в Смоленской губернии, образование получил в Санкт-Петербурге. Формированию мировозрения и основной идеи творчества Михаила Глинки способствовало непосредственное общение с такими личностями, как А.С.Пушкин, В.А.Жуковский, А.С.Грибоедов, А.А.Дельвиг. Творческий импульс его работам добавила многолетняя поездка по Европе в начале 1830-х и встречи с ведущими композиторами времени — В.Беллини, Г.Доницетти, Ф.Мендельсоном и позже с Г.Берлиозом, Дж.Мейербером. Успех пришел к М.И.Глинке после постановки оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») (1836), которая была восторженно встречена всеми, впервые в мировой музыке органично соединились русское хоровое искусство и европейская симфоническая и оперная практика, а также появился герой, подобный Сусанину, образ которого обобщает лучшие черты национального характера. В.Ф.Одоевский охарактиризовал оперу «новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период — период Русской музыки».

Вторая опера — эпическая «Руслан и Людмила» (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями и принесла М.И.Глинке тяжелые переживания. После этого он много путешествовал, попеременно живя в России и за рубежом, не прекращая сочинять. В его наследии остались романсы, симфонические и камерные работы. В 1990-х годах «Патриотическая песня» Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.

Цитата М.И.Глинки: «Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой.»

Цитата о М.И.Глинке: «Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии «Камаринская». П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем, несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Он знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.

Комическая опера

Как и многие другие виды оперы, комическая опера берет начало в Италии в XVII веке. Она противопоставляется «скучной» серьезной опере и обладает совершенно другими чертами: малыми масштабами, преобладанием диалогов, совсем небольшим количеством персонажей, использованием комических приемов. Этот вид оперы стал гораздо более демократичным и реалистическим, нежели опера «сериа».

Разные страны давали комической опере свои названия – так, в Италии ее называли опера-буффа, в Англии – балладная опера, в Германии – зингшпиль, а в Испании она обозначалась как тонадилья. Соответственно, каждая разновидность обладала юмором с оттенком национального колорита.

Среди итальянских композиторов в жанре опера-буффа работали Перголези и Россини, во Франции этим занимались Монсиньи и Гретри, а среди англичан наиболее известны Салливан и Гилберт.