Зарубежная музыка начала 20 века презентация, доклад, проект

Введение

Конец XIX и начало XX века для русской музыки были порой необычайно быстрого, стремительного развития и выдвижения новых сил и течений, что связано со всеобщей переоценкой ценностей, пересмотром многих утвердившихся в предыдущую эпоху представлений и критериев эстетической оценки. Процесс этот протекал в острых спорах и столкновениях различных, иногда сближавшихся, иногда противоположных тенденций, казавшихся непримиримыми и взаимоисключающими.

Этот период развития русского искусства сравнивали с Ренессансом. Понятие «культурного Возрождения» распространялось не только на область художественного творчества, но и на сферу философско-мировоззренческих представлений. В начале 900-х годов появилось определение «серебряный век», под которым подразумевается обычно совокупность новых течений рассматриваемого периода-то, что иначе принято именовать «модерном» или «модернизмом». Хронологические границы «серебряного века» в России определяются примерно двадцатипятилетним отрезком, от начала 90-х годов XIX века до 1917 года.

История создания

Соединенные Штаты Америки. Морис Равель находится в гастрольной поездке. Незадолго до отъезда композитор встречался с известнейшей солисткой в русском балете. Ее имя Ида Рубинштейн. Нельзя сказать, что техника вышеупомянутой балерины была лучше Анны Павловы или Натальи Трухановой, но ее артистические способности сводили с ума многих. Встреча была более чем деловой. Ида попросила Равеля написать танцевальное произведение, желательно балет, в котором она могла бы солировать. По задумке Иды произведение должно было максимально отражать ее индивидуальные танцевальные способности.

Гастроли успешно завершились, и Морис Равель мог наконец-то приняться за работу. По воспоминаниям композитора, произведение писалось легко и просто, поэтому он достаточно быстро завершил партитуру. Далее начались постоянные репетиции. Дирижером был назначен давний друг композитора, перед мастерством которого Равель приклонялся, а именно маэстро Тосканини. Тем не менее, между ними произошла небольшая ссора, касающаяся темпа. Так как Равель, очень уважал мнение дирижера, он позволил ему играть не в авторском темпе.

Первая постановка состоялась в Гранд-Опера и имела огромнейший успех среди публики. Кажется, Равелю удалось найти ключ к сердцу общества того времени. Музыка была понятна каждому слушателю вне зависимости от возраста или статуса. Возможно, это и сыграло собственную роль в возникновении популярности.

Авангардные направления

Авангардисты ушли в отрицание классической традиции, поиск экстремальных форм выражения. Они демонстрировали абсурд, создавали беспредметное и абстрактное искусство. Пропагандировали неограниченную свободу экспериментов, творческого самовыражения.

Живописцы искали первоэлементы мироздания, человеческого восприятия мира в бессознательном. Создавали новые средства выразительности. Авангардисты пытались вывести жизнестроительные художественные законы. Символисты намекали на существование некой загадочной реальности. Авангардисты самостоятельно конструировали эту реальность.

Экспрессионизм и фовизм

В этом направлении творили Л. Кирхнер, Э. Мунк, Э. Нольде. Их картины объединяет чрезмерная выразительность. Художники использовали цветовые контрасты, грубоватые формы, чтобы передать напряженность внутреннего мира человека. Разновидностями экспрессионизма стали французский фовизм и русский неопримитивизм.

Фовизм (дикий) произвел настоящую революцию в мире искусства. Художники отказались от передачи реальной окраски предметов, используя сочные контрасты. Самым ярким представителем этого направления был А. Матисс.

Неопримитивизм, футуризм, кубизм

Неопримитивисты черпали вдохновение в искусстве Африки, Востока. Часто обращались к народным традициям, религии, детским и даже первобытным рисункам. В этом направлении творили М. Ларионов, Н. Гончарова, П. Гоген, а также самоучки Н. Пиросмани, А. Руссо.

В начале ХХ века в Италии появилось футуристическое направление. Художники ставили перед собой задачу – передать динамичность современного мира, стремительное вторжение в него машин. Дж. Балла, Дж. Маринетти, У. Боччони выступали за техническое переустройство мира.

В 1907 году Дж. Брак и П. Пикассо основали кубизм. Характерная черта направления – конструирование пространства из геометрических объемов и плоскостей. Коллажи Пикассо представляли собой соединение на холсте красок и металла, дерева, других технических материалов.

Абстракция

В авангардном направлении наиболее радикальная форма у абстракции. В 1910-е гг. благодаря В. Кандинскому мир узнал об абстрактном экспрессионизме. Он стихийно использовал цветовые мазки, пятна, линии, при этом, не создавая каких-либо предметов. Отдельные художественные элементы превратились в самодостаточное изображение.

В геометрической абстракции комбинировались геометрические формы. Как вариант, К. Малевич создал суперматизм, примером которого служит «Черный квадрат». Из творчества голландского художника П. Мондриана вырос неопластицизм.

Дадаизм и сюрреализм

В середине 1910-х гг. возник дадаизм, отрицавший в эпатажной форме все направления в искусстве. Он не признавал ни традиционные, ни современные течения. Ярким представителем дадаизма стал М. Дюшан, демонстрировавший обиходные предметы.

Погружение в бессознательное, сновидения характерно для сюрреализма. Представители этого направления искусства соединяли реальное и нереальное, живое и неживое. Сюрреалистами были художники С. Дали, И. Танги, Ж. Миро, поэты Г. Аполлинер, А. Бретон, П. Элюар.

Конструктивизм

Это направление не ограничивается плоскостью, а создает коллаж из разных материалов, который затем трансформируется в конструкцию в пространстве. Проект «Башни III Интернационала» создал яркий представитель конструктивизма В. Татлин. Также в этом направлении творили К. Мельников, А. Родченко. Конструктивисты в основном создавали произведения с политическим подтекстом.

Функционализм

Интернациональный стиль стал одним из самых массовых направлений в архитектуре США и Европы. Функционалисты руководствовались принципом полезности. Архитекторы воспринимали дома как «машину для жилья», поэтому отказались от дополнительных украшений. Создание железобетона дало возможности для массового строительства.

Ле Корбюзье сформулировал 5 принципов, характеризующих современную архитектуру:

здание на свободных опорах;
плоская крыша (допускается терраса-сад);
ленточные окна по фасаду;
отсутствие украшений на фасаде;
минималистическая внутренняя планировка.

Принципы Ле Корбюзье в полной мере воплотились в вилле «Савой», построенной в 1929-1931 гг. в Пуасси. Приверженцами функционализма также были В. Гроппиус, А. Лоос, Л. Ми сван дер Роэ.

Кубизм

Кубизм П.Пикассо

Творчеству Кандинского и Малевича предшествовал художественный поиск П.Пикассо. Это время для него было расцветом таланта, порой созданий шедевров, исполненных в классической манере — “Девочка на шаре”, “Семейство странствующих комедиантов”.

И вот, после взлета — желание все разрушить, чтобы приобрести головокружительное ощущение пространства, созданного вне всяких правил. После 1905 года художника также волнуют проблемы “чистого” пространства, где “вырастают” краски и формы, рождается духовная суть явлений.

1907 год для Пикассо и для всего европейского искусства стал временем коренных перемен. “Я увидел, что все было сделано. Надо было сломить себя, чтобы совершить свою революцию и начать с нуля”.

Закрывшись в мастерской и никому не показывая холст “Авиньонские девицы”, Пикассо искал художественный язык, живописную формулу, отличающуюся от реальности, но не противостоящую ей. Это подобно тому, как поэтическая речь не похожа на прозу, хотя совсем ее не отрицает.

Возник новый стиль, поразивший необычностью даже ближайших друзей Пикассо,- его назовут “кубизмом”.

П.Пикассо.Авиньонские девицы.1907

Кубизм в живописи

В этом направлении живописи- намек на кристаллы, кубики, из которых складывались формы в его картинах. Человеческие тела, предметы кажутся разложенными на сумму простых геометрических форм. С кубизмом в европейское искусство пришел метод, незамедлительно проникший во все живописные школы.

Был выработан условный изобразительный язык, на котором западное искусство говорит и сегодня.

Параллельно с Пикассо работал Ж.Брак. К ним присоединились испанец Х.Грис, француз Ф.Леже, ряд художников из других стран, в том числе России и Италии.

Ж.Брак.Большие деревья в Эстаке.1908

Новые направления живописи 20-го века

Живописцы в начале 20-го века пытались противопоставить неотвратимому натиску техники мир природы в новом, мифологическом обличии. В какой-то мере эту задачу ставили перед собой символисты, художники модерна. Их утонченности бросили вызов молодые французы, объединившиеся вокруг Матисса. Они стремились воплотить в искусстве более энергичное, грубое начало. Открывшие для себя мощное воздействие интенсивного колорита Ван Гога, Матисс и его друзья сохранили верность цвету, как основному носителю эмоций в картине. Они специально ездили на южное побережье Франции, в Коллиур, где свет ослепителен, а тени резче, чтобы не робеть перед самыми дерзкими цветовыми сопоставлениями. Художники стремились очистить живопись от инородных литературных влияний.

А.Матисс.Танец.1910

Начало XX века — середина XX века

Учебник для музыкальных вузов

Авторы учебника:
С. Н. БОГОЯВЛЕНСКИЙ. Музыка Италии; Отторино Респиги; Ильдебрандо Пиццетти; Джан Франческо Малипьеро
Н. И. ДЕГТЯРЕВА. Музыка Австрии; Неовенская оперетта; Музыка Германии (с использованием фрагментов текста И. В. Нестьева в разделе «Социально ангажированное искусство»)
А. К. КЕНИГСБЕРГ. Карл Орф
Л. Г. КОВНАЦКАЯ. Музыка Англии; Бенджамин Бриттен
Р. Х. ЛАУЛ. Арнольд Шёнберг; Альбан Берг; Антон Веберн
И. В. НЕСТЬЕВ. Курт Вайль; Ханс Эйслер; частично раздел «Социально ангажированное искусство» в очерке «Музыка Германии»
В. В. СМИРНОВ. Введение; Игорь Федорович Стравинский
И. С. ФЕДОСЕЕВ. Пауль Хиндемит
Г. Т. ФИЛЕНКО. Музыка Франции; Альбер Руссель; Артюр Онеггер; Дариюс Мийо; Франсис Пуленк

Редакционная коллегия:
Т. Э. ЦЫТОВИЧ, С. Н. БОГОЯВЛЕНСКИЙ, И. В. НЕСТЬЕВ, Г. Т. ФИЛЕНКО, В. В. СМИРНОВ. Н. И. ДЕГТЯРЕВА

Основные черты музыки импрессионизма

Это яркая и восторженная, избегающая острых социальных проблем музыка. С живописным импрессионизмом ее роднит восторженное отношение к жизни.
Преобладание красочно-жанровое или пейзажное начало
Изменилась трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо).
Обращение к франц. фольклору, музыке Востока, элементам сказочности и фантастичности.
Стремление передать настроение композитора и эмоции, которые являются для него самого и слушателей определенными символами.
Если сравнивать с импрессионистической живописью, которая стремилась отобразить впечатление, то музыка в стиле импрессионизма стремилась вызвать впечатление у слушателей с помощью приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп. В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта.

«Александровский централ»

Эту песню в 1880–1890-х годах написал неизвестный заключенный (а может, несколько) Александровской центральной каторжной тюрьмы, учрежденной в 70 километрах от Иркутска в 1873 году. Очень быстро она стала гимном Александровского централа, а затем разошлась по всей Сибири.

Тюремным песням свойственна та же особенность, что и народным крестьянским: они существовали только в устной традиции и постоянно видоизменялись. Из-за этого каждая каторжная песня имеет десятки вариаций.

«Александровский централ» не исключение. В одном из вариантов, записанном в 1912 году, вместо описания чистоты в камерах и перечисления преступлений рассказчик жалуется барину на жестокость надзирателей:

В другом лирический герой подробнее описывает собственный проступок, сожалея лишь о том, что попался:

Одна из версий песни «Александровский централ»

Еще одна классическая песня сибирских каторжан называется «Солнце всходит и заходит». Она сочинена неизвестно где и кем, предположительно, в 1880-х годах и исполняется на мотив «Александровского централа».

В начале XX века «Солнце всходит и заходит» попала на страницы пьесы Максима Горького «На дне» и, вслед за самим произведением, приобрела огромную популярность в народе и на каторге. В массовой культуре первая строчка песни стала визитной карточкой вообще всего тюремного — герой «Золотого теленка» Ильфа и Петрова Адам Козлевич, например, работал в тюремной газете «Солнце всходит и заходит».

Одна из версий песни «Солнце всходит и заходит» в исполнении Федора Шаляпина

Внеевропейские музыкальные факторы в других школах начала XX века

Отношения музыкального языка И. Стравинского с европейскими культурами непросты и своеобразно направлены в смысле исторической перспективы — думается, что можно в большей степени говорить о влиянии его композиторской техники на последующие формы развития афро-американских комплексов в русле «параллельной» культуры (джаз, рок-музыка) в меньшей степени о влиянии внеевропейских факторов н его творчество. Безусловно, как и многие выдающиеся композиторы XX века, он шел своим путем, ассимилируя европейские интонационные и стилистические признаки, и пришел к акустическим результатам, позволяющим сравнивать их со звучанием опусов, явно корреспондирующих к внеевропейским культурам — афро-американской и восточно-азиатской, в частности. Как известно, историческое значение личности Стравинского вообще — быть «генератором идей» (каковым он, по словам Ф. Пуленка, являлся для французской Шестерки). И, рассматривая внеевропейское в технике композитора, необходимо добавить, что заимствуя и перерабатывая отдельные черты иных музыкальных культур, он заботился об обогащении собственного музыкального стиля, вернее о сложном комплексе составляющих элементов, образующих понятие полистиля Стравинского.

Вначале нужно упомянуть о том, что работа с уже существующей семантикой музыкального искусства, безусловно, находилась в общем русле с творчеством композиторов, так или иначе представлявших европейское, как генеральный базис своего творчества. Выделим три момента: главенство ритма, связанный с этим принцип ритмической драматургии и то, что, по определению В. Задерацкого, называется полиостинатностью; «попевочность» музыкального тематиз-ма; пентатоничность элементов музыкальной структуры.

В отношении к ритму композитор находился в потоке общих тенденций поисков XX столетия. Особый интерес к этому не случаен и в русской музыкальной культуре. Из слов Н. Римского-Корсакова, учителя Стравинского, о том, что именно ритм, а не мелодия является основой и главным выразительным средством музыкального произведения, мы можем понять, насколько был важен этот вопрос для русской композиторской парадигмы.

Именно в начале XX столетия на передний план выходят авторы, для которых токкатность, как ритмическая пульсация, определяющая остальные выразительные свойства музыкального языка, является основополагающим музыкальным компонентом композиторской звукописи (таковы, кроме И. Стравинского, С. Прокофьев, Б. Барток, А. Ка-зелла, К. Орф, Д. Шостакович и др.). Особый интерес к ритму, как к рассматриваемой отдельно от процесса интонирования семантической единицы, в некотором роде стал и косвенным выражением кризиса темперированного строя, что также выводило процесс развития музыкальной культуры за рамки европоцентризма.

Конечно же, ритм всегда был одним из основных свойств музыкального языка, но ранее он выступал во взаимодействии вместе со всеми остальными составляющими (интонация, тембр и т. д.) и был так или иначе подчинен вопросам музыкального времени, формы, как процессу и результату. Достаточно сравнить две фортепианные токкаты: с одной стороны, например, Р. Шумана, а с другой — С. Прокофьева. В первой мы сразу же слышим вступление, написанное вовсе не в токкатной манере, да и все последующие темы все-таки имеют интонационную основу, как определяющую музыкальный образ . Токката же Прокофьева подчинена именно ритмической стихии. И, конечно же, здесь присутствует потрясающая по интенсивности и динамическому богатству интонационная работа и движение неотъемлемо от общей жизни материала, но то, что прежде всего бросается в глаза связано с ритмом как таковым. И он здесь является свойством, определяющим стиль .

С другой стороны, именно ритм, прежде всего заинтересовал академических музыкантов в джазе. Недаром наиболее повлиявшей на композиторское мышление формой внеевропейской культуры стал регтайм (исключение здесь составляют М. Равель, Д. Мийо и, естественно, Дж. Гершвин) — предджазовая форма, основой которой является именно ритм (собственно говоря, это единственный параметр, который может считаться новаторским; все остальное — обычная, достаточно провинциальная для той эпохи вариантность гармонической квадратной сетки и старосонатная форма с некоторыми видоизменениями).

Направления модернизма в литературе

Символизм. Возник во Франции в 70-80-х годах 19 века и достиг пика своего развития в начале ХХ века, был наиболее распространен во Франции. Бельгии и России. Авторы-символисты воплощали основные идеи произведений, используя многоликую и многозначную ассоциативную эстетику символов и образов, зачастую они были полны таинственности, загадочности и недосказанности.

Яркие представители данного направления: Шарль Бодлер, Поль Верлен, Артюр Рембо, Лотреамон (Франция), Морис Метерлинк, Эмиль Верхарн (Бельгия), Валерий Брюсов, Александр Блок, Федор Сологуб, Максимилиан Волошин, Андрей Белый, Константин Бальмонт

Акмеизм. Возник как отдельное течение модернизма в начале ХХ века в России, авторы-акмеисты в противопоставление символистам настаивали на четкой материальности и предметности описываемых тем и образов, отстаивали использование точных и ясных слов, выступали за отчетливые и определенные образы. Центральные фигуры российского акмеизма: Анна Ахматова, Николай Гумилев, Сергей Городецкий

Имажинизм. Возник как литературное направлении русской поэзии в 1918 году, его основоположниками были Анатолий Мариенгоф, Вадим Шершеневич и Сергей Есенин. Целью творчества имажинистов было создание образов, а главным средством выражения было объявлена метафора и метафорические цепочки, с помощью которых сопоставлялись прямые и переносные образы

Экспрессионизм. Течение модернизма, получившее развитие в Германии и Австрии в первом десятилетии ХХ века, как болезненная реакция общества на ужасы происходящих событий (революции, Первая мировая война). Данное направление стремилось не столько воспроизводить действительность, сколько передать эмоциональное состояние автора, в произведениях очень распространены изображения болевых ощущений и криков. В стиле экспрессионизма работали: Альфред Деблин, Готфрид Бенн, Иван Голль, Альберт Эренштейн (Германия), Франц Кафка, Пауль Адлер (Чехия), Т. Мичинский (Польша), Л.Андреев (Россия)

Сюрреализм. Возник как направление в литературе и искусстве в 20-х годах ХХ века. Сюрреалистические произведения отличает применение аллюзий (стилистических фигур, дающих намек или указание на конкретные исторические или мифологические культовые события) и парадоксальное сочетание различных форм. Основоположник сюрреализма — французский писатель и поэт Андре Бретон, известные литераторы данного направления — Поль Элюар и Луи Арагон

Госпел

До недавнего времени этот стиль отказывалось официально признавать большинство музыкальных критиков. Он считался низким, недостойным внимания общественности.

Зародившись во французских кофе-шантанах, эта своеобразная манера исполнения долгое время оставалась привилегией одних только городских отбросов.

Дело в том, что манера исполнения этих песен, а также их сюжеты, в которых нередко фигурировал мотив тюрьмы и нарушения закона, а также многочисленные «блатные словечки», не соответствовали классически канонам эстрадного искусства. Да и назвать их агитирующими закон и правопорядок, и семейные ценности тоже нельзя.

Но когда печальные мужчины с гитарами в обществе слепых скрипачей с песнями о любви за решеткой начали появляться по всей Европе, тем, кто относился к данному музыкальному стилю без особого энтузиазма, пришлось поумерить амбиции.

Что касается российского шансона, то его отличает неразрывная связь с традиционным русским романсом. Та же манера исполнения, схожие сюжеты, в качестве новшества выступило привнесение в этот стиль тюремной тематики.

Представители:

Зарубежный шансон — Морис Шевалье, Шарль Трен, Шарль Азнавур, Бенжамен Бьёле, Оливия Руиз, Патрисия Каас.

Русский шансон — Александр Вертинский, Леонид Утесов, Марк Бернес, Стас Михайлов, Михаил Круг.

Романс в музыке— вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного; камерное музыкально-поэтическое произведение для голоса с инструментальным сопровождением.

По форме романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует. (Хотя бывают и исключения, как, например, произведение А.С.Даргомыжского «Старый капрал» — романс с припевом в форме куплетной песни).

В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе

Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно оркестром

«Инструментальное сопровождение в романсе имеет важное значение фортепиано и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируют, зачастую являясь равноправным с вокальной партией элементом единого целого»

14 стр., 6520 слов

Стили и направления в современном музыкальном искусстве России

… в музыкальном искусстве 1.1 Понятие стиля и направления в музыке В течение длительного времени музыка была наиболее общедоступным о популярным видом современного искусства. … в себе характерные качества произведений, входящих в какую либо жанровую группу (например, в джазовом стиле, в народно-бытовом стиле, в стиле романса). … постоянство средств выражения и технической манеры, но и как постоянство » …

Представители:

Зарубежный романс — Шуберт, Шуман, Брамс, Вольф.

Русский романс — Глинка, Рубинштейн, Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов, Свиридов, Прозоровский.

Мюзикл представляет собой совершенно своеобразный вид искусства, это некий синтез из разнообразных стилей художественной деятельности.

В мюзикле есть все, и пение и танцы, и актерская игра. Если подойти к определению мюзикла как вида театрального искусства, то его можно отнести скорее к комедийному жанру.

И такой специфике мюзикла, как музыкального жанра есть ряд причин. Дело в том, что мюзикл, как вид театрального искусства начал зарождаться в Америке, когда ее заселение только-только начиналось.

На тот момент большинство ее населения составляли англичане, которые придерживались пуританских взглядов. Соответственно, театральное искусство воспринималось как нечто низкое, недостойное внимания.

А так как актерский состав тех малочисленных трупп, которые переехали на новую землю, не добившись успеха на родине, талантами не отличался, то и спектакли были далеки от идеала.

Чаще всего это были комедийные сценки, рассчитанные на непритязательного зрителя, с танцами, песнями и элементами эротики.

Кроме того, немалую роль в развитии мюзикла сыграл и тот факт, что пьесы носили в основном коммерческий характер. Что и стало причиной столь сильной развлекательной направленности.

Представители:

Зарубежный мюзикл — Джером Керн, Джордж Гершвин, Кол Портер.

Русский мюзикл — Александр Журбин, Алексей Рыбников, Влад Сташинский, Сергей Дрезнин.